Die Sneak Preview bezeichnet eine unangekündigte Filmvorführung vor dem offiziellen Release. Die Besucher wissen beim Kartenkauf nicht, welcher Film gezeigt wird.

Der mürrische Engländer Tom (Steve Coogan) reist in den 1970er Jahren nach Buenos Aires, um an einem Jungeninternat Englisch zu unterrichten. Inmitten der Unruhen des Militärputsches sieht er sich rebellischen Schülern und einem herausfordernden Alltag gegenüber. Doch eine unerwartete Begegnung verändert alles: Als er an der ölverschmutzten Küste Uruguays einem Pinguin das Leben rettet, weigert dieser sich hartnäckig, von seiner Seite zu weichen. Der Vogel zieht auf Toms Terrasse ein, wird sein treuer Begleiter und für die Schüler eine Vertrauensperson mit Flossen – denn Pinguine sind nicht nur niedlich, sondern auch großartige Zuhörer.

Peter Cattaneo führte bei dem Film Regie. Jeff Pope schrieb das Drehbuch, das auf den Memoiren des britischen Lehrers Tom Michell basiert. Dieser veröffentlichte seine Erlebnisse im Jahr 2015 in einem autobiografischen Buch. Der Film verbindet stilistisch Elemente von Komödie und Drama und greift neben der persönlichen Geschichte auch den historischen Hintergrund Argentiniens in den 1970er-Jahren auf. Durch die Kombination einer realen Vorlage, eines internationalen Produktionsteams und eines bekannten britischen Hauptdarstellers positioniert sich der Film als europäisch geprägte Literaturverfilmung mit internationalem Anspruch.

Deloris (Whoopi Goldberg) ist eine lebensfrohe Frau und arbeitet als Sängerin in einer Bar. Eines Tages wird sie jedoch Zeuge, wie ihr Freund Vincent (Harvey Keitel), ein lokaler Mafia-Boss, einen seiner Feinde kaltblütig ermordet. Da Vincent es nicht mag, wenn Zeugen anwesend sind, versucht er auch, Deloris zu ermorden. Doch Deloris kann in letzter Sekunde entkommen und findet Schutz bei der Polizei. Aus Sicherheitsgründen wird sie in ein Zeugenschutzprogramm aufgenommen und an einen Ort gebracht, an dem man sie am wenigsten vermuten würde: ein Konvent in San Francisco. Anfangs fällt es ihr schwer, ihren Platz unter den Nonnen zu finden, doch das ändert sich schnell, als sie die Leitung des Klosterchors übernimmt und damit zu einer regionalen Berühmtheit wird. Durch die neu gewonnene Aufmerksamkeit findet jedoch auch Vincent heraus, wo sich seine dringend gesuchte Zeugin aufhält.

Der Film entstand unter der Regie von Emile Ardolino, Produzent war Scott Rudin. Ein prägendes Element der Produktion war die Musik: Marc Shaiman komponierte die Filmmusik, während der Soundtrack stark von Gospel- und Soul-Traditionen inspiriert ist. Besonders die neu arrangierten Kirchenchor-Versionen bekannter Songs trugen wesentlich zur Popularität des Films bei. „Sister Act” entwickelte sich zu einem großen kommerziellen Erfolg und spielte weltweit ein Vielfaches seines Budgets ein. Der Erfolg inspirierte später ein erfolgreiches Musical, das unter anderem im Londoner West End und am Broadway aufgeführt wurde. Darüber hinaus gilt der Film als wichtiger Meilenstein in der Karriere von Whoopi Goldberg, da er ihr Image als komödiantische Hauptdarstellerin nachhaltig festigte.

Dieses Drama, das auf wahren Begebenheiten beruht, handelt von den Fox-News-Moderatorinnen Megyn Kelly (Charlize Theron), Gretchen Carlson (Nicole Kidman) und der neu hinzugekommenen News-Produzentin Kayla Pospisil (Margot Robbie). Sie alle arbeiten unter der Leitung des Gründers Roger Ailes (John Lithgow). Jener nutzt seine Machtposition rigoros aus. Als Carlson ihn wegen jahrelanger sexueller Nötigung zur Rechenschaft ziehen will, melden sich immer mehr Frauen, die unter dem schamlosen Fehlverhalten des Fox-Gründers gelitten haben. Es beginnt ein Kampf gegen die Herrschaft toxischer und rücksichtsloser Männer, die das Bild des größten Nachrichtensenders der USA prägen. Doch das Aufbegehren gegen Ailes und für Gerechtigkeit fordert neben großem Mut noch viel größere Opfer. Die Karrieren und das Privatleben der Frauen stehen auf dem Spiel.

Regie führte Jay Roach. Er konzentriert sich insbesondere auf die Erfahrungen der Moderatorinnen Megyn Kelly und Gretchen Carlson sowie auf die fiktive Figur Kayla Pospisil, die als narrative Verdichtung weiterer Betroffener dient. Das Drehbuch von Charles Randolph verbindet dokumentarisch recherchierte Details mit dramatischer Zuspitzung und beleuchtet die strukturellen Machtmechanismen innerhalb eines konservativen Medienkonzerns. In den USA erschien der Film unter dem Titel „Bombshell“ und wurde im Kontext der #MeToo-Debatte intensiv diskutiert, da er exemplarisch aufzeigt, wie Machtmissbrauch in hierarchischen Strukturen über lange Zeit hinweg gedeckt oder verharmlost wurde.

Nachdem eine gewaltige Flut ihre Heimat überrollt und zerstört hat, muss eine kleine schwarze Katze auf einem Boot Zuflucht suchen. Dieses ungewöhnliche Gefährt wird von verschiedenen Tierarten bewohnt, die trotz ihrer Unterschiede lernen, zusammenzuhalten. Für den Einzelgänger mit den Samtpfoten ist das jedoch alles andere als einfach. Gemeinsam mit seinen Schicksalsgenossen navigiert er durch mystische, überflutete Landschaften und stellt sich den Herausforderungen einer veränderten Welt – immer mit dem großen Ziel vor Augen, sich in seiner neuen Realität zurechtzufinden.

Der Film ist ein formal außergewöhnliches Werk des lettischen Regisseurs Gints Zilbalodis. Zilbalodis setzt auf eine nahezu dialogfreie Erzählweise und eine stark visuelle sowie atmosphärische Dramaturgie. Er verbindet ein postapokalyptisches Setting mit einer poetischen, beinah meditativen Bildsprache und thematisiert existenzielle Fragen von Gemeinschaft, Instinkt und Anpassungsfähigkeit. Produktionstechnisch ist der Film bemerkenswert, da er in weiten Teilen unabhängig und mit einem kleinen Team realisiert wurde. Die Animation nutzt stilisierte 3D-Welten mit einer fließenden Kameraführung, die stark an die Ästhetik von Videospielen erinnert und den Titel programmatisch aufgreift. International wurde „Flow” auf Festivals präsentiert und als Beispiel für die wachsende Bedeutung osteuropäischer Animationskunst gewürdigt. Damit steht der Film in einer Tradition kontemplativer Animationswerke, die weniger auf Dialog als auf visuelle Immersion und emotionale Resonanz setzen.

Der Schriftsteller Edward (James McArdle) steht kurz vor dem lang ersehnten Durchbruch. Neben der Arbeit an seinem Debütroman kümmert er sich hingebungsvoll um seine resolute Mutter, mit der er zusammenlebt. Als sein Verlag ihm eine Lesereise durch die USA anbietet, gerät sein sorgfältig geordneter Alltag ins Wanken. Denn seine Freunde brechen zeitgleich zu einem spontanen Urlaub auf und lassen ihre Mütter bei ihm zurück. Innerhalb weniger Tage sieht sich Edward somit nicht nur mit beruflichen Entscheidungen konfrontiert, sondern auch mit dem Chaos, das vier eigenwillige Frauen unter seinem Dach entfesseln.

Der irische Spielfilm wurde von Darren Thornton inszeniert, der das Drehbuch gemeinsam mit seinem Bruder Colin Thornton verfasste. Der Film zeichnet ein erzählerisches Setting, das Fragen nach familiärer Verantwortung, Überforderung im Pflegesystem und generationsübergreifender Solidarität aufgreift. Stilistisch verbindet Thornton Elemente der klassischen britisch-irischen Sozialkomödie mit fein beobachteter Figurenzeichnung. Die Kritik lobte insbesondere das Ensemble der älteren Darstellerinnen sowie die Balance zwischen Humor und Melancholie, die dem Film eine zugleich leichte und nachdenkliche Atmosphäre verleiht.

Nachdem die junge Jade (Lyna Khoudri) in der Pariser U-Bahn eine Handtasche gestohlen hat, bereut sie ihre Tat und versucht, die Besitzerin ausfindig zu machen. Sie hat nämlich entdeckt, dass die Tasche einer Frau gehören muss, die einen ähnlichen sozialen und ökonomischen Hintergrund hat wie sie selbst. Als Jade an der Tür des kleinen Vorstadthauses klingelt, in dem die Frau wohnt, lernt sie Esther (Nathalie Baye) kennen, eine Frau in den Sechzigern. Esther, die sich dem Ende ihrer Karriere als Direktrice bei Dior nähert, beschließt, der jungen Frau alles über das Nähen beizubringen.

Regie führte Sylvie Ohayon, die das Drehbuch gemeinsam mit ihrem Bruder Pierre Trividic schrieb. Gedreht wurde teilweise in echten Haute-Couture-Ateliers, was dem Film eine hohe Authentizität verleiht. Inhaltlich verbindet der Film die Welt der exklusiven Pariser Mode mit sozialen Fragen: Die Begegnung zwischen der erfahrenen Schneidermeisterin und einer jungen Frau aus schwierigen Verhältnissen wird zum Ausgangspunkt einer Geschichte über die Weitergabe von Wissen, Handwerkskunst und gegenseitigem Respekt. Der Film ist somit weniger eine klassische Modegeschichte als ein ruhiges, humanistisches Drama, das die oft unsichtbare Präzision und Hingabe hinter der Haute Couture würdigt.

Zu den bekanntesten und produktivsten Jazzmusikern der Welt zählen Jakob Bro, Bill Frisell, Lee Konitz, Paul Motian und Midori Takada. Für ihren gemeinsamen Dokumentarfilm haben Jørgen Leth und Andreas Koefoed die Musiker 14 Jahre lang begleitet. Sie folgten dem dänischen Komponisten Jakob Bro, der auf drei Kontinenten Kontakt zu zahlreichen Jazzmusikern suchte, um zu ergründen, woher die Energie und Leidenschaft in ihrer Musik rühren. Der Film wechselt dafür nicht nur die Kontinente, sondern auch zwischen Live-Jams und Porträts der Musiker.

Nach dem Tod ihres Vaters und der Ernennung ihres Halbbruders zum neuen Hausherrn können Elinor und Marianne Dashwood (Emma Thompson und Kate Winslet) das Anwesen nicht mehr ertragen. Seine hochmütige Frau Fanny (Harriet Walter) ist nicht bereit, ihren Besitz zu teilen. Also zieht das Geschwisterpaar mit ihrer Mutter und der jüngsten Schwester in eine andere Grafschaft zu einem anderen Verwandten. Sie leben jedoch vergleichsweise mittellos, da ihr Vater seinen gesamten Besitz an seinen Sohn John vererbt hat. Noch schlimmer ist, dass die Schwestern nicht zu ihrem Liebesglück finden. Sobald sie einen Mann kennenlernen, verlässt dieser sie kurze Zeit später für eine andere.

Bei dem Film handelt es sich um die Verfilmung des gleichnamigen Romans von Jane Austen aus dem Jahr 1811. Regie führte der Taiwanese Ang Lee, der mit seinem sensiblen und zurückhaltenden Inszenierungsstil internationale Anerkennung erlangte. Das Drehbuch schrieb Emma Thompson, die auch eine der Hauptrollen übernahm und hierfür mit dem Oscar ausgezeichnet wurde. Der Film wurde insbesondere für seine fein nuancierte Figurenzeichnung, die elegante Bildgestaltung und die Balance zwischen emotionaler Tiefe und leiser Ironie gelobt – ganz im Geist Jane Austens. Die Besetzung mit Kate Winslet, Hugh Grant und Alan Rickman trug maßgeblich zum Erfolg bei und verhalf mehreren Darstellern zu internationalen Durchbrüchen. „Sinn und Sinnlichkeit“ gilt bis heute als eine der gelungensten Verfilmungen von Jane Austens Werk und machte Ang Lee sowie Emma Thompson auch außerhalb des Arthouse-Kinos einem breiten Publikum bekannt.

Als Frau mittleren Alters kämpft Lee Miller (Kate Winslet) mit aller Kraft dagegen an, nur als ehemaliges Model und Muse des Avantgarde-Fotografen Man Ray (Sean Duggan) in Erinnerung zu bleiben. Sie will mit der Liebe ihres Lebens, dem Kunsthändler Roland Penrose (Alexander Skarsgård), zusammen sein und zieht mit ihm in dessen Heimatstadt London, während die Nazis bereits ein europäisches Land nach dem anderen überfallen. Zunächst heuert Miller bei der britischen Vogue als Modefotografin an, hat jedoch schon bald wieder genug davon. Denn auch dieser Job wird von Männern bestimmt. Frauen sollen gefälligst ihre Pflicht erfüllen. Sie will aus diesem System ausbrechen und als Kriegsfotografin an die Front. Mithilfe ihrer Chefredakteurin Audrey Withers (Andrea Riseborough) stellt sie einen entsprechenden Antrag, der jedoch abgewiesen wird, da sie eine Frau ist. Die Amerikaner hingegen nehmen sie mit offenen Armen auf. Doch der Weg in den Krieg ist nicht ungefährlich.

Der Film basiert auf der Biografie „The Lives of Lee Miller“ von Antony Penrose, Millers Sohn, und beleuchtet vor allem ihre Arbeit als Kriegsfotografin während des Zweiten Weltkriegs. Im Zentrum steht Millers Tätigkeit für das britische Magazin Vogue, für das sie die Befreiung Europas dokumentierte und dabei unter anderem die Konzentrationslager Dachau und Buchenwald fotografierte. Berühmt wurde eines ihrer Bilder, das sie in Hitlers Badewanne zeigt – ein starkes Symbol für das Ende des NS-Regimes. Regisseurin Ellen Kuras konzentriert sich jedoch nicht nur auf die historischen Ereignisse, sondern auch auf die psychischen Belastungen, die mit Millers Arbeit einhergingen. Somit ist der Film sowohl ein Porträt einer mutigen Frau als auch eine Reflexion über die Verantwortung und den Preis des dokumentarischen Blicks auf den Krieg.